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Lovro Artuković: Underworld Party
Tresor, Grand Park Hotel
Until August 31st, 2023
Book a complimentary private viewing at the concierge
Contact us for the price list: nomad.funding@gmail.com
Text contribution: Jelena Tamindžija Donnart
The Maistra Collection in Rovinj is one of the most important collections of contemporary art in Croatia and Central Europe. It is being systematically built up with artworks by artists belonging to the Middle European and Mediterranean circle, intended to enrich the premises of the hotels Monte Mulini, Lone, Adriatic and Eden. The presented artists include Abdelkader Benchamma, Jasmina Cibic, Dušan Džamonja, Igor Eškinja, Massimo Uberti, Ivana Franke, Davor Sanvicenti, Sofija Silvia, Marko Tadić, Zlatan Vehabović and Silvio Vujičić.
This summer, at the Tresor venue of the Grand Park Hotel, the guest is Lovro Artuković with his temporary art installation Underworld Party, produced by the Zagreb-based Nomad platform, which has participated in the creation of the art collection for the Maistra Collection.
The feeling of the underground world is additionally emphasized by the use of ultraviolet light, primarily focused on drawings in the charcoal technique on paper. This muted environment is a platform for the participation of guests who become participants in the creation of the installation. Instructed by the artist to dress in black and white to make the experience under the lights more powerful, visitors take on the role of ghosts who roam the studio in a haze of tobacco smoke. The creation of a mystical impression is further emphasized by the fables presented by the works displayed on the wall. Artuković reaches for the inventory of the Greek mythology, primarily stories related to the underworld ruled by God Hades.
Seven drawings, which include 5 earlier drawings and 2 new works created specifically for the Grand Hotel Park Trezor, represent the author’s efforts to copy the masterpieces of Old Masters, among which Rembrandt, Corot, and Titian stand out. Predominantly from the Baroque and Pre-Raphaelite periods, the works thematize suffering, the destinies the characters have determined themselves through their actions, the eternal verdicts and the execution of punishment. The artist Artuković struggled with the choice of his topic at the beginning, saying: „When I started the first drawing, I realized that despite my presumption that I had enough experience in my profession, I was still childishly naive. The time that had to be invested into the making of a faithful copy indefinitely postponed the date of the planned party into the future. The desire to organize it also gradually waned. Nevertheless, I continued the work, even though I had a feeling I was doing something totally absurd. Why on Earth am I wasting time on copies? To have someone nickname me ‘Rembrandt’? And will this concept survive, if there is no party? I know that a ‘professional artist’ would leave this tedious job to someone else to do it for him, and he would take up something more important during that time. But working on these copies I began to enjoy a certain lack of sense and purpose of this enterprise. Moreover, I did not want to give up the pleasure: first, the work with charcoal and second the graduad ‘entering’ into the original work used as a template. In the end, this experience resembled a descent into the underworld; if not a raucous party, still a way of conversing with those who no longer walk the surface of the Earth.“
It is possible that the feeling of embarking on this new subject in which after a while he could not find meaning or purpose turned into a raison d’être per se and that he found satisfaction in this, in “entering” the minds of the great Old Masters, with the accompanying feeling that he had no idea or direction in his creation.
The drawing of Sisyphus, based on a painting by Titian (1548 or 1549), located at the Prado Museum in Madrid, shows the embodiment of the common phrase Sisyphean task. Titian depicts the Greek hero Sisyphus suffering his punishment by carrying a large stone on his shoulders. Punished by Hades for cheating death twice, the god of the underworld himself condemned him to eternal futile labor of carrying a boulder that would roll back every time he neared the top of the hill. In today’s language, precisely the work that seems futile and endless is called a Sisyphean task. Two other Greek anti-heroes, Ixion and Tantalus, are placed next to Sisyphus.
Based on a painting by the Baroque Spanish painter, Jusepe de Ribera, from 1632, the central motif depicts Ixion serving his sentence for the murder of his father-in-law Deioneus, but also for his attempt to seduce Zeus’s wife Hera. The figure of Ixion is shown in a crouched position with tensed muscles beneath which is his tormentor, probably a satyr, with distinctive horns and pointed ears. Next to Ixion and Sisyphus is Tantalus, a drawing based on a painting by the Italian Baroque painter Gioacchino Assereto. Like the other two anti-heroes of classical mythology, Tantalus was condemned for betraying the trust of the gods on Mount Olympus, for stealing nectar, otherwise the food of the gods, for revealing their secrets, but most of all for his gruesome crime of dismembering his son Pelops, whose body parts he offered at the banquet of gods to test their supposed omniscience. His punishment, from which we use the term Tantalus’ torment today, signifies the inability to use something within our reach. Thus, in Greek mythology, Tantalus served eternal punishment placed in the water and surrounded by low branches full of hanging fruit. However, when he reached to drink water, it would disappear and the branches would move up, where he could not reach them.
The four remaining drawings are related to the themes of unsuccessful and tragic love, whose sequence begins with perhaps the most famous love couple of Greek mythology, Orpheus and Eurydice. Based on a painting from 1861 by the French romantic painter known for his dreamlike landscapes, the drawing Orpheus Leads Eurydice from the Underworld manages to capture the melancholic romanticized world of Jean-Baptiste-Camille Corot. Orpheus, who played the lyre most beautifully, was desperate after his beloved Eurydice died after being bitten by a snake and decided to rescue her, which he was granted, on the condition that he was not allowed to turn his back during the entire journey to the outside world. As Orpheus heard Eurydice’s footsteps less and less distinctly along the way, he turned to check for her presence, after which she was unfortunately taken back to the depths of the underworld, which marked the final tragic end of their love story.
The two adjacent drawings do not depict an honest love story, but the abduction of Persephone by the god Hades, who now makes her the ruler of the underworld as his wife. The first drawing made after Rembrandt depicts the dramatic scene of the abduction of Persephone by Hades where she is dragged into the underworld leaving her desperate mother Demeter in the outside world. The desperate mother wanders the world in search of Persephone, leaving Mount Olympus and thereby preventing all plants from growing on Earth. Zeus then sends Hermes to the underworld to find Persephone and bring her to her mother, whereby they make a deal that the kidnapped ruler of the underworld would spend six months with Hades in the underworld, and six months in the outside world with her mother. The meeting of Demeter and Persephone, which is shown in the drawing made after Frederic Leighton, is thus interpreted as the embodiment of spring, flowering and plant growth.
Another tragic love story with many victims is depicted in the last drawing, based on a painting by John William Waterhouse. For altogether 50 daughters of the king of Libya, a marriage was set with 50 sons of the king of Egypt, his twin brother. On the very wedding day, the girls killed all 50 husbands, for which they were eternally punished by carrying pitchers with water and pouring them into a large jug from which water was constantly leaking.
After creating these 7 drawings inspired by works and tragic fables from Greek mythology, their author Lovro Artuković tries to convey the feeling that accompanied him in their making through the presentation of the installation. The feeling of entering an underground world in a certain way, a world where one is not quite sure what to expect, while surrounded by stories from books and old pictures. The remains of food, drinks and cigarettes from dinner on the table covered with a white tablecloth seem to embody the Greek sense for the story “in medias res”, where the visitor is thrown into the center of the story, into a space where half the action has already happened and where he himself completes the story he observes, i.e. the installation, by becoming its participant.
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Lovro Artuković: Tulum u podzemlju
Trezor, Grand Park Hotel, Rovinj
Do 31. kolovoza 2023.
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Tekst: Jelena Tamindžija Donnart
Maistra Collection u Rovinju jedna je od najznačajnijih zbirki suvremene umjetnosti u Hrvatskoj i srednjoj Europi. Zbirka se sustavno gradi s umjetničkim radovima umjetnika srednjoeuropskog i mediteranskog kruga, koji su mišljeni za prostore hotela Monte Mulini, Lone, Adriatic i Eden. Zastupljeni umjetnici uključuju Abdelkadera Benchamma, Jasminu Cibic, Dušana Džamonju, Igora Eškinju, Massima Ubertija, Ivanu Franke, Davora Sanvicentija, Sofiju Silviu, Marka Tadića, Zlatana Vehabovića, i Silvija Vujičića.
Ovoga ljeta u prostoru Trezora Grand Park hotelu gostuje Lovro Artuković umjetničkom instalacijom Tulum u podzemlju, u produkciji platforme Nomad iz Zagreba koja je sudjelovala u stvaranju dijela umjetničke kolekcije Maistra Collection.
Osjećaj podzemnog svijeta dodatno je naglašen upotrebom ultraljubičastog svjetla koji je prvenstveno usmjeren na crteže u tehnici ugljena na papiru. Ovakvo prigušeno okruženje platforma je za sudjelovanje gostiju koji postaju sudionici u stvaranju instalacije. Usmjereni od strane umjetnika na kod oblačenja u crno-bijeloj kombinaciji odjeće kako bi doživljaj pod svjetlima bio snažniji, posjetitelji preuzimaju ulogu duhova koji tumaraju ateljeom u maglici duhanskog dima. Stvaranje mističnog dojma dodatno je naglašeno fabulama prikazanih djela na zidu. Artuković poseže za inventar grčke mitologije, prvenstveno priča vezanih uz svijet podzemlja kojima vlada bog Had.
7 crteža koji uključuju 5 ranijih crteža te 2 nova rada nastala u potpunosti za prostor Trezora Grand Hotela Park predstavljaju nastojanja autora da kopira remek-djela starih majstora, među kojima se posebice izdvajaju Rembrandt, Corot, Tizian. Pretežno razdoblja baroka i izričaja prerafaelita, djela tematiziraju patnju, sudbine koje su likovi sami odredili svojim djelima te vječne zaključke sudova i odsluženja kazne. I sam se umjetnik Artuković patio s izborom teme na početku kazavši: „Kad sam počeo raditi na prvom crtežu, uvidio sam međutim da sam, premda umišljam da sam nakupio dovoljno iskustva u svojem poslu, još uvijek djetinjasto naivan. Vrijeme koje je trebalo uložiti u izradu vjerne kopije pomicalo je naime termin planiranog tuluma sve dalje u neodređenu budućnost. A i želja da ga priredim polako je jenjavala. Ipak sam nastavio raditi, unatoč osjećaju da činim nešto posve apsurdno. Zašto zaboga trošim vrijeme na nekakve kopije? Da bi mi netko nadjenuo nadimak ‘Rembrandt’? I stoji li koncept ako tuluma ne bude? Pritom znam da bi ‘pravi profi-umjetnik’ prepustio taj mukotrpni posao nekome drugom, a sâm se posvetio pametnijem poslu. No kako je rad na kopijama tekao, tako je u meni rasla stanovita radost zbog toga što moj pothvat nije imao nikakva smisla ni svrhe. A osim toga se nisam htio odreći užitka: kao prvo u crtanju ugljenom, a kao drugo u postupnom ‘ulaženju’ u originalno djelo koje mi je služilo kao predložak. Na kraju krajeva, to je iskustvo ipak bilo poput silaska u podzemni svijet – ako već ne razuzdan tulum, onda ipak neka vrst druženja s onima koji više ne kroče Zemljom.“
Moguće je da se osjećaj upuštanja u ovu novu temu u kojoj nakon nekog vremena nije mogao pronaći smisao ni svrhu pretvorio u raison d’être per se i da je u tome našao zadovoljstvo, u “ulasku” u umove velikih starih majstora, s popratnim osjećajem da nema ideju ni smjer u svom stvaranju.
Crtež Sizifa, rađen po slici Tiziana (1548. ili 1549.) koja je smještena u Muzeju Prado u Madridu prikazuje utjelovljenje danas učestale izreke Sizifova posla. Tizian prikazuje grčkog junaka Sizifa koji služi svoju kaznu noseći veliku gromadu kamena na svojim plećima. Kažnjen od strane Hada jer je dvaput prevario smrt, bog podzemlja ga ja osudio na vječni uzaludan rad nošenja gromade kamena koja bi se otkotrljala natrag svaki put kad bi se približila vrhu brda. U današnjem se jeziku upravo posao koji se čini uzaludan i bez kraja naziva Sizifovim poslom. Pored Sizifa postavljena su druga dva grčka antijunaka, Iksion i Tantal.
Rađena prema slici baroknog španjolskog slikara, Jusepi de Riberi iz 1632. godine, središnji motiv uprizoruje Iksiona koji kaznu služi zbog ubojstva tasta Deioneja, ali i pokušaja zavođenja Zeusove žene Here. Lik Iksiona prikazan je u pozi zgrčenog položaja s napetim mišićima ispod kojeg se nalazi njegov mučitelj, vjerojatno satir, s prepoznatljivim rogovima i šiljatim ušima. Pored Iksiona i Sizifa smješten je Tantal, crtež rađen po slici talijanskog baroknog slikara Gioacchina Assereta. Kao i preostala dva antijunaka klasične mitologije, i Tantal je osuđen jer je iznevjerio povjerenje bogova na planini Olimp, zbog krađe nektara, inače hrane bogova, otkrivanja njihovih tajni, ali ponajviše i zbog svog stravičnog zločina komadanja svog sina Pelopa čije je dijelove tijela ponudio na banketu bogova kako bi ispitao njihovo navodno sveznanje. Njegova kazna, od koje danas koristimo izraz Tantalove muke, označava nemogućnost korištenja nečega što nam je nadohvat ruke. Tako je Tantal u grčkoj mitologiji služio vječnu kaznu smješten u vodi i okružen niskim granama punim voća. Kad bi posegnuo piti vodu, ona bi nestajala, a granje bi odlazilo u visinu gdje ih ne bi mogao dosegnuti.
Četiri preostala crteža tiču se tema neuspješnih i tragičnih ljubavnih priča čiji slijed započinje možda najpoznatijim ljubavnim parom grčke mitologije, Orfejem i Euridikom. Nastala prema slici iz 1861. godine francuskog romantičarskog slikara poznatog po svojim snovitim pejzažima, crtež Orfej vodi Euridiku iz podzemlja uspijeva uhvatiti melankolični romantizirani svijet Jean-Baptiste-Camilla Corota. Orfej, koji je najljepše svirao instrument liru, očajan je nakon što njegova voljena Euridika umire nakon ugriza zmije te ju odlučuje izbaviti što mu biva odobreno, uz uvjet da se ne smije okrenuti tijekom cijelog puta do vanjskog svijeta. Budući da tijekom puta Orfej počinje sve manje čuti Euridikine korake, okreće se provjeriti njezinu prisutnost nakon čega ona nažalost biva ponovno odvedena u dubine podzemlja označavajući konačan tragičan kraj njihove ljubavne priče.
Dva susjedna crteža pak ne prikazuju iskrenu ljubavnu priču, već otmicu Perzefone od strane boga Hada koji ju sada čini vladaricom podzemlja u funkciji njegove žene. Prvi crtež rađen po Rembrandtu upravo prikazuje dramatičnu scenu otmice Perzefone koju Had odvlači u podzemlje ostavljajući svoju očajnu majku Demetru u vanjskom svijetu. Očajna majka tumara svijetom u potrazi za Perzefonom napuštajući planinu Olimp i sprečavajući time svim biljkama rast na zemlji. Zeus potom šalje Hermesa u podzemlje da pronađe Perzefonu i dovede je pred svoju majku pri čemu sklapaju nagodbu da oteta vladarica podzemlja šest mjeseci provodi s Hadom u podzemlju, a šest u vanjskom svijetu sa svojom majkom. Susret Demetre i Perzefone koji je prikazan u crtežu rađenom po Fredericu Leightonu, tako se interpretira kao utjelovljenje proljeća, cvata i rasta biljaka.
Još jedna tragična ljubavna priča s brojnim žrtvama prikazana je na zadnjem crtežu koji je rađen po slici Johna Williama Waterhousea. Za sveukupno 50 kćeri kralja Libije, odlučeno je vjenčanje za 50 sinova kralja Egipta, inače njegova brata blizanca. Na sam dan vjenčanja djevojke ubijaju svih 50 muževa za što bivaju vječno kažnjene nošenjem vrčeva vode i usipanja u veliki vrč iz kojeg se voda neprestano izlijeva.
Autor Lovro Artuković radeći ovih 7 crteža inspiriranih djelima i tragičnim fabulama iz grčke mitologije, u predstavljanju instalacije nastoji prenijeti osjećaj koji ga je pratio kroz stvaranje ovih djela. Osjećaj kao da ulazi u podzemni svijet na neki način, svijet u kojemu čovjek nije sasvim siguran što očekivati, dok je okružen svim pričama iz knjiga i starih slika. Ostaci hrane, pića i cigareta tijekom večere na stolu presvučenim bijelim stolnjakom kao da utjelovljuju grčki smisao za priču „in medias res“ gdje posjetitelj biva bačen u središte priče, u prostor gdje se pola radnje već dogodilo i gdje on sam dovršava viđenu priču, odnosno instalaciju, bivajući njenim sudionikom.
Lovro Artuković (Zagreb, 1959.) suvremeni je hrvatski slikar i grafičar koji svoj likovni izraz temelji na figuraciji i intimizmu, razvijajući ga prvenstveno na ikonografiji urbane civilizacije. Lovro Artuković školovao se u zagrebačkoj Klasičnoj gimnaziji, a s dvadeset četiri godine diplomirao je na Akademiji likovnih umjetnosti. Devet je godina radio kao docent na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu. Od 2003. Godine živi i radi u Berlinu. Umjetnik je prepoznat po svom jedinstvenom slikarskom figurativnom stilu, a njegova višestruko nagrađivana umjetnička djela nalaze se u ključnim svjetskim zbirkama: Muzeja Albertina u Beču, Deutsche Bank Kunsthalle u Berlinu, Galerije umjetnina u Splitu, Muzeja moderne i suvremene umjetnosti u Rijeci, Muzeja suvremene umjetnosti u Zagrebu, Muzeja za umjetnost i obrt Zagreb te su dio privatnih kolekcija iz Zagreba, Beča, Züricha, Berlina i New Yorka.
Još od prve samostalne izložbe 1985., koju je obilježila slika gigantskih proporcija Tulum, na kojoj su elementi trash kulture i banalni momenti iz svakodnevice pretvoreni u umjetničko djelo, preko Abecede narcisoidnosti i dalje redom, postaje omiljeni slikar i kritičara i kolekcionara. Izlagao je na mnogim samostalnim izložbama: u Museu da Água u Lisabonu (2002.), nakon čega su uslijedile izložbe “Spremište” u Tekstilnom kombinatu Zagreb / kasnije Kuća Lauba Zagreb (2004.), “Bestežinske slike” u Labor 019 u Berlinu (2004.), “Promatranje” u centru Prima u Berlinu (2005.), “64” u galeriji Josip Račić u Zagrebu (2006.), “Deklaracija” u Haus Ungarn/.BHC Kollektiv u Berlinu (2008.), “Imaginarium II” u galeriji Wedding u Berlinu (2011.), “Lice slike” u Kući Lauba Zagreb (2013.), “Stare i nove slike” u Muzeju likovnih umjetnosti Osijek (2016.) i “Bildtransport” u galeriji subjectobject Berlin (2018.) .
Godine 2008. u zagrebačkoj galeriji Klovićevi dvori realizirana je opsežna izložba njegovih radova pod nazivom “Najbolje slike”, koja je obuhvatila radove nastale između 1984. I 2008. Godine. Izložba je ostvarena u produkciji Zbirke Lauba i Vanje Žanko, koja je tada kurirala ovu zbirku. Tom prilikom objavljen je katalog radova pod nazivom “Najbolje slike” autorice Blaženke Perice (Galerija Klovićevi Dvori, Zagreb, 2008.). U 2020. Godini održana je izložba novog ciklusa radova u Nacionalnim muzeju moderne umjetnosti u Zagrebu i u Galeriji umjetnina u Dubrovniku pod nazivom „Usporavanja“ u suradnji s Umjetničkim paviljonom u Zagrebu – koji je bio pogođen potresom i stoga nije bio u mogućnosti organizirati izložbu u vlastitom prostoru.
Nomad je trajna platforma koja za misiju ima podržavanje i unaprjeđenje karijere vizualnih umjetnika s područja središnje i istočne Europe. Uz posebnu posvećenost interdisciplinarnim suradnjama i međusektorskim partnerstvima, djelovanje Nomada uključuje prikupljanje sredstava, upravljanje narudžbama, produkciju umjetničkih izložbi i publikacija, te promociju i reprezentaciju umjetnika.
Od svog početka, Nomad je preuzeo izazov učinkovitijeg povezivanja svijeta umjetničkih institucija, filantropskih fondacija, neprofitnih organizacija, kulturnih profesionalaca i javnih službi s umjetnicima. Nomad ponajviše radi sa sljedećim istaknutim umjetnicima: Lovrom Artukovićem, Yane Calovskim & Hristinom Ivanoskom, Jasminom Cibic, Igorom Eškinjom, Zlatanom Vehabovićem, umjetničkim duom Tarwuk i Anitom Witek.
Nomad je osnovan 2014. godine u Zagrebu od strane kustosice i kulturne menadžerice Vanje Žanko. Od 2021. godine Nomad vodi novi ženski liderski tim: Vanja Žanko, Andrea Šarić, Ana Petričić Gojanović, Daria Darmaniyan, Jelena Tamindžija Donnart i Dora Zane.
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Lovro Artuković: Unterwelt-Party
Trezor, Grand Hotel Park
Bis 31. August, 2023
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Text: Jelena Tamindžija Donnart
Die Maistra Collection in Rovinj ist eine der wichtigsten Sammlungen zeitgenössischer Kunst in Kroatien und Mitteleuropa. Sie wird systematisch mit Kunstwerken von Künstlern aus dem mitteleuropäischen und mediterranen Umkreis aufgebaut und soll die Räumlichkeiten der Hotels Monte Mulini, Lone, Adriatic und Eden bereichern. Zu den vorgestellten Künstlern gehören Abdelkader Benchamma, Jasmina Cibic, Dušan Džamonja, Igor Eškinja, Massimo Uberti, Ivana Franke, Davor Sanvicenti, Sofija Silvia, Marko Tadić, Zlatan Vehabović und Silvio Vujčić.
In diesem Sommer ist Lovro Artuković mit seiner Kunstinstallation Underworld Party im Veranstaltungsort des Grand Hotels Park, Trezor, zu Gast. Die Installation wurde von der Zagreber Plattform Nomad produziert, die an der Schaffung der Werke für die Maistra Collection beteiligt war.
Das Gefühl der unterirdischen Welt wird zusätzlich durch die Verwendung von ultraviolettem Licht unterstrichen, das hauptsächlich auf Zeichnungen in Kohletechnik auf Papier gerichtet ist. Diese gedämpfte Umgebung ist eine Plattform für die Beteiligung der Gäste, die zu Mitwirkenden bei der Schaffung der Installation werden. Auf Anweisung des Künstlers, sich schwarz-weiß zu kleiden, um die Erfahrung unter den Lichtern zu verstärken, schlüpfen die Besucher in die Rolle von Geistern, die im Dunst von Tabakrauch durch das Atelier streifen. Die Schaffung eines mystischen Eindrucks wird durch die Fabeln, die von den an der Wand ausgestellten Werken erzählt werden, noch verstärkt. Artuković greift auf das Inventar der griechischen Mythologie zurück, vor allem auf Geschichten über die Unterwelt, die vom Gott Hades beherrscht wird.
Sieben Zeichnungen, darunter fünf frühere und zwei neue, speziell für die Trezor Galerie des Grand Hotels Park geschaffene Werke, stellen das Bemühen des Autors dar, die berühmten Werke alter Meister zu kopieren, unter denen Rembrandt, Corot und Tizian einen besonderen Platz einnehmen. Die überwiegend aus dem Barock und der präraffaelitischen Zeit stammenden Werke thematisieren das Leiden, die Schicksale, die die Figuren durch ihre Handlungen selbst bestimmt haben, die ewigen Urteile und den Vollzug der Strafe. Der Künstler Artukovic tat sich anfangs schwer mit der Wahl seines Themas, wie er sagte: “Als ich mit der ersten Zeichnung begann, wurde mir klar, dass ich trotz meiner Annahme, ich hätte genug Erfahrung in meinem Beruf, immer noch kindlich naiv war. Die Zeit, die in die Anfertigung einer originalgetreuen Kopie investiert werden musste, verschob den Termin der geplanten Party auf unbestimmte Zeit. Auch die Lust, es zu organisieren, ließ allmählich nach. Dennoch setzte ich die Arbeit fort, obwohl ich das Gefühl hatte, etwas völlig Absurdes zu tun. Warum in aller Welt verschwende ich meine Zeit mit Kopien? Damit mir jemand den Spitznamen ‘Rembrandt’ gibt? Und wird dieses Konzept überleben, wenn keine Party stattfindet? Ich weiß, dass ein ‘professioneller Künstler’ diese mühsame Arbeit jemand anderem überlassen und sich in dieser Zeit mit etwas Wichtigerem beschäftigen würde. Aber bei der Arbeit an diesen Kopien begann ich, eine gewisse Sinn- und Zwecklosigkeit dieses Unternehmens zu genießen. Außerdem wollte ich das Vergnügen nicht aufgeben: erstens das Kohlezeichnen und zweitens das allmähliche “Eintauchen” in das als Vorlage dienende Originalwerk. Letztendlich glich diese Erfahrung einem Abstieg in die Unterwelt; wenn nicht eine rauschende Party, so doch eine Art Unterhaltung mit denen, die nicht mehr auf der Oberfläche der Erde wandeln.”
Es ist möglich, dass das Gefühl, sich auf dieses neue Thema einzulassen, in dem der Künstler nach einer Weile weder Sinn noch Zweck finden konnte, zu einer Daseinsberechtigung an sich wurde und dass er darin eine Befriedigung fand, in die Gedankenwelt der großen alten Meister “einzudringen”, mit dem begleitenden Gefühl, dass er seinem Schaffen keine Idee oder Richtung auferlegte.
Die Zeichnung von Sisyphos, die auf einem Gemälde von Tizian (1548 oder 1549) basiert und sich im Prado-Museum in Madrid befindet, zeigt die Verkörperung des allgemein bekannten Ausdrucks Sisyphusarbeit. Tizian stellt den griechischen Helden Sisyphos dar, der seine Strafe erleidet, indem er einen großen Stein auf seinen Schultern trägt. Als Strafe dafür, dass er den Tod zweimal überlistet hatte, verdammte ihn der Gott der Unterwelt höchstpersönlich zur ewigen vergeblichen Arbeit, zum Tragen eines Felsbrockens, der jedes Mal zurückrollt, wenn er sich dem Gipfel des Berges nähert. Im heutigen Sprachgebrauch wird genau die Arbeit, die vergeblich und endlos erscheint, als Sisyphusarbeit bezeichnet. Zwei andere griechische Antihelden, Ixion und Tantalus, stehen neben Sisyphos.
Das zentrale Motiv basiert auf einem Gemälde des spanischen Barockmalers Jusepe de Ribera aus dem Jahr 1632 und stellt Ixion dar, der die Strafe für die Ermordung seines Schwiegervaters Deioneus verbüßt, aber auch für seinen Versuch, Zeus’ Frau Hera zu verführen. Die Figur des Ixion ist in geduckter Haltung mit angespannten Muskeln dargestellt, unter denen sich sein Peiniger, wahrscheinlich ein Satyr, mit markanten Hörnern und spitzen Ohren befindet. Neben Ixion und Sisyphos steht Tantalus, eine Zeichnung, die auf einem Gemälde des italienischen Barockmalers Gioacchino Assereto basiert. Wie die beiden anderen Antihelden der klassischen Mythologie wurde Tantalus verurteilt, weil er das Vertrauen der Götter auf dem Olymp missbraucht hatte, weil er den Nektar, die Nahrung der Götter, gestohlen hatte, weil er ihre Geheimnisse verraten hatte, vor allem aber wegen des grausamen Verbrechens, der Zerstückelung seines Sohnes Pelops, dessen Körperteile er auf dem Göttermahl angeboten hatte, um ihre angebliche Allwissenheit zu testen. Seine Bestrafung, von der wir heute den Begriff Tantalus’ Qualen ableiten, steht für die Unfähigkeit, etwas in unserer Reichweite zu nutzen. So saß Tantalus in der griechischen Mythologie zur ewigen Strafe im Wasser und war von niedrigen Ästen voller hängender Früchte umgeben. Wenn er jedoch Wasser trinken wollte, verschwand es und die Äste wanderten nach oben, wo er sie nicht erreichen konnte.
Die vier verbleibenden Zeichnungen beziehen sich auf das Thema der gescheiterten und tragischen Liebe, deren Aufeinanderfolge mit dem vielleicht berühmtesten Liebespaar der griechischen Mythologie, Orpheus und Eurydike, beginnt. Die Zeichnung Orpheus führt Eurydike aus der Unterwelt basiert auf einem Gemälde des französischen romantischen Malers Jean-Baptiste-Camille Corot aus dem Jahr 1861, der für seine traumhaften Landschaften bekannt ist, und reflektiert seine melancholische, romantische Welt. Orpheus, der die Leier vorzüglich spielte, war verzweifelt, nachdem seine geliebte Eurydike nach einem
Schlangenbiss gestorben war, und beschloss, sie zu retten, was ihm unter der Bedingung gewährt wurde, dass er sich während der gesamten Reise in die Außenwelt zu ihr nicht umdrehen dürfe. Als Orpheus auf dem Weg Eurydikes Schritte immer schlechter hörte, drehte er sich um, um nachzusehen, ob sie da war, woraufhin sie unglücklicherweise in die Tiefen der Unterweit zurückgebracht wurde, was das endgültige tragische Ende ihrer Liebesgeschichte bedeutete.
Die beiden nächsten Zeichnungen zeigen keine ehrliche Liebesgeschichte, sondern die Entführung von Persephone durch den Gott Hades, der sie als seine Frau zur Herrscherin der Unterwelt machte. Die erste, nach Rembrandt entstandene Zeichnung, zeigt die dramatische Szene der Entführung Persephones durch Hades, bei der sie in die Unterwelt verschleppt wird, ihre verzweifelte Mutter Demeter in der Außenwelt zurücklassend. Auf der Suche nach Persephone wandert die verzweifelte Mutter durch die Welt, verlässt den Olymp und verhindert damit, dass alle Pflanzen auf der Erde wachsen. Zeus schickt daraufhin Hermes in die Unterwelt um Persephone zu finden und sie zu ihrer Mutter zu bringen, wobei sie eine Abmachung treffen, dass die entführte Herrscherin der Unterwelt sechs Monate mit Hades in der Unterwelt und sechs Monate in der Außenwelt mit ihrer Mutter verbringen würde. Die Begegnung von Demeter und Persephone, die in der Zeichnung nach Frederic Leighton dargestellt ist, wird somit als Verkörperung des Frühlings, des Blühens und des Pflanzenwachstums gedeutet.
Eine weitere tragische Liebesgeschichte mit vielen Opfern ist in der letzten Zeichnung dargestellt, die auf einem Gemälde von John William Waterhouse basiert. Für insgesamt 50 Töchter des Königs von Libyen wurde eine Ehe mit 50 Söhnen des Königs von Ägypten, seinem Zwillingsbruder, vereinbart. Genau am Hochzeitstag töteten die Mädchen alle 50 Ehemänner, wofür sie in alle Ewigkeit mit dem Tragen der Krüge mit Wasser bestraft wurden, das sie dann in einen riesigen Krug schütten, aus dem Wasser ständig ausläuft.
Nach der Erstellung dieser 7 Zeichnungen, die von Werken und tragischen Fabeln aus der griechischen Mythologie inspiriert sind, versucht ihr Autor Lovro Artuković das Gefühl, das ihn bei ihrer Erstellung begleitet hat, durch die Präsentation der Installation zu vermitteln. Das Gefühl, in gewisser Weise eine unterirdische Welt zu betreten, eine Welt, in der man nicht genau weiß, was einen erwartet in einer Umgebung aus Geschichten und alten Bildern. Die Reste von Speisen, Getränken und Zigaretten vom Abendessen auf dem mit einem weißen Tafeltuch bedeckten Tisch scheinen den griechischen in medias res Erzählsinn zu verkörpern, wobei der Besucher ins Zentrum der Geschichte geworfen wird, in einen Raum, in dem die Hälfte des Geschehens bereits stattgefunden hat und in dem er selbst die Geschichte, die er beobachtet, d. h. die Installation, dadurch vervollständigt, dass er ihr Teilnehmer wird.
Lovro Artuković (Zagreb, 1959) ist ein zeitgenössischer kroatischer Maler und Grafiker, der seinen künstlerischen Ausdruck auf Figuration und Intimismus gründet und ihn vor allem durch die Ikonographie der urbanen Zivilisation entwickelt. Er besuchte das Klassische Gymnasium in Zagreb und mit 24 Jahren schloss er sein Studium an der Akademie der bildenden Künste ab. Neun Jahre lang arbeitete er als Dozent an der Akademie der bildenden Künste in Zagreb. Seit 2003 lebt er und arbeitet in Berlin. Sein besonderer malerischer figurativer Stil macht ihn überall erkennbar und seine mehrfach prämierten Kunstwerke befinden sich in wichtigsten internationalen Sammlungen: Albertina Museum in Wien, Deutsche Bank Kunsthalle in Berlin, Kunstgalerie in Split, Museum der modernen und zeitgenössischen Kunst in Rijeka, Museum der zeitgenössischen Kunst in Zagreb, Kunstgewerbemuseum in Zagreb und in privaten Sammlungen in Zagreb, Wien Zürich, Berlin und New York.
Nomad ist eine dauerhaft existierende Plattform, derer Ziel Unterstützung und Förderung der Karriere der bildenden Künstler aus Mittel- und Südeuropa ist. Neben besonderem Augenmerk auf interdisziplinärer Zusammenarbeit und Partnerschaften zwischen verschiedenen Sektoren, umfasst die Wirkung Nomads das Aufbringen der finanziellen Mittel, die Verwaltung der Aufträge, die Produktion der Kunstausstellungen und Publikationen, sowie die Vorstellung und Vertretung der Künstler. Von Anbeginn stellte sich Nomad der Herausforderung eines effizienteren Verbindens der Welt der Kunstinstitutionen, der philanthropischen Fonds, der Non-profit Organisationen, der professionellen Kulturbetreuer und der öffentlichen Dienstleistungen mit Künstlern. Nomad wurde 2014 von der Kuratorin und Kulturmanagerin Vanja Žanko in Zagreb gegründet. Seit 2021 wird Nomad vom neuen Frauenführungsteam geleitet: Vanja Žanko, Andrea Šarić, Ana Petričić Gojanović, Daria Darmaniyan, Jelena Tamindžija Donnart und Dora Zane.